醉心于色彩的法国艺术家，贝尔纳·卡特林
卡特林在其作品中大量运用红色。单一的红色不但有色相的变化，还有丰富的色阶层次，变化无穷，给人以视觉上的冲击和享受。他的画风属于以马蒂斯为代表的法国野兽派，讲究用色，色泽鲜明，给人以色彩变化丰富的印象。贝尔纳·卡特林更擅长使用未经调制的原色进行创造。他对色彩独到的运用，浓烈得化不开，冲不淡。即使是眩目的黄色、橙色，深沉似炭灰色、紫色，其浓厚及充满动力之质感都眩人眼目，带来无限惊喜。除了油画，他的版画获得了更高的成就。无论是缤纷的花卉、线条明快的家具、还是宁静的麦田，都给人畅快和谐的感觉。1995年这位杰出的艺术家荣获了法国总统密特朗颁发的荣誉勋位勋章。贝尔纳·卡特林的作品在世界各地倍受推崇。立即咨询>>
、贝尔纳·卡特林（1919 - 2004），1919年生於巴黎。1945-1948年为法国国家装潢艺术学院学生，并在名画家马蒂斯 (Henri Matisse) 的工作室学习。他的一生举办过不少大型展览。包括1997年在巴伦西亚博物馆举办大型回顾展。
除了在法国本土举行个人画展，他亦曾於世界各地有著名的博物馆及美术馆举行了超过50个画展。2002年，他在上海美术馆举办大型回顾展，展出了他接近五十年的作品。
观赏贝尔纳·卡特林的作品，不论是油画、版画、水彩画还是壁毯都能体悟到卡特林绚丽的色彩下面那种真实的情感，点、线、面构成的具象美和通过这种具象美承载着色彩的这种真实感，这种真实感是卡特林用纯真的情感注入画面转化而来的。在他的作品中也时刻体会着莫里斯·德尼（Maurice Denis）的实践语录：“一幅画，在它是一匹战马、或是一个奇谈之前，基本上是照特殊规律安排色彩的一个平涂表面。”德尼的此句格言一次又一次地被引用，因为他的话似乎定义现代化的要求和一种荒谬的误解。19世纪末，新的美学形式规律的提出，对焦点透视和空间表现的重视程度日渐消退，而构成要素的作用日趋明显。艺术家们运用平面化的几何构成形式来代替单一的具象的表现形式，一种新的画面视觉形式规律—平面几何构成，为艺术家提供了一种新的手段，不必对外界事物仅仅描绘表象世界，而可以更加深刻地切入到画面本质的形式构成，强调画面构成要素的融通表现。卡特林的造型整体呈现出几何化、平面化、简约化的特点。这种简约的风格使每一个含义非常丰富的形式组织在一个整体结构中，在这个整体结构中每一个局部的功能与位置都被自身的色彩所界定。在卡特林的笔下，不管是景物、人物还是静物，那些最简洁的造型可以使我们毫不费劲地做出判断。
一、几何化的特点
卡特林历来喜欢在几何化的造型中用黑色搭配红色、黄色、蓝色、绿色作为基本的色调，再配有其他的色彩来点缀。如作于1987年的《黑桌上的玫瑰和柠檬》，以大面积的黄色和黑色作为背景，配以放置柠檬和玫瑰的白色长方形器皿，简洁而庄严。白色的长方形正好压在黄色和黑色的分界线上，黄色的花朵作为不规则的形打破了黑色的沉闷，使画面既活泼又不失平衡。作于1987年的《带哥特式柜子的红黑静物》则是用红色和黑色作为主色调，柜子上的花瓶已经完全平面化，为了构图的稳定卡特林对柜子的透视做了主观的处理，淡色的花瓶与左上方的白线点亮了整个暗色基调的画面。
从这个意义来讲，静物似乎更适合他的构图法则，风景对于卡特林来说的确是个挑战，因为自然本身不能使他满足，大的场景里面混合了纷繁复杂的山墙表面，外立面和屋顶，有着参差错落的叶簇、树枝、缆绳和天线杆的角度而形成的不确定状态。但在卡特林的这些风景画中，各种景物融合成奇特而非凡的统一，简简单单从画中内容中引申而来，比如墙的刻板的几何形状，屋顶和天线杆，以及岩石、树木和田野的不规则形态。白桦，代表拉伸的直线。它的有裂缝的树皮，在很长一段时间吸引了卡特林的注意力，所以在他很多以白桦为主题的作品中，白桦本身可能就是韵律和几何性的象征。在《埠头》这幅画中，几乎只是几何体，完全的角和直线，垂直的线条高耸入云。堤岸抽象的边缘混杂着长方形的高耸的建筑物，仅仅是长方体，甚至混淆了建筑物和无形而又严格的横坐标与纵坐标线。作于1962年的《Rreon的暴风雨》和作于1975年的《濑户内海》，在几块天空和陆地之上，在最初的一块画布上引出田野、篱笆、树和不规则的天空。同样的方式，在第二块画布上，天空好像是依托在地平线上，在大块的几何体块上方好像是岩石、暗礁、海岬。在辛辣的笔触下，笔直上方处是简略的墙壁和屋顶。到处都是相同的任意的渍痕，互相融合在一起。重叠、模糊、厚涂的颜料，笔触的拖动，笔触与油画刀的痕迹相间，然后另外一种笔触厚涂其上，形成模糊的影像斑点。立即咨询>>
二、平面化的特点
卡特林为了营造平面化的空间，他将所有物体造型提炼、夸张，让人感觉有剪影的效果。在给模特儿伊维特的画像中，一张相同的脸，一幅画接着另一幅画，除了其图画中的内容，没有其他的真相。在画中，主人公的刘海儿修饰的前额不再仅仅是关于她的发型的问题，更是为了以准确的角度，重点突出有规则而椭圆形的脸；那些严谨的线条凭借其体积和相互的关系建构了脸的形状，完全弱化了塑造立体感时所需要的理性的透视，将其平面化处理。在其他的一些作品中，由于绘画意图不一样，造型、元素会发生变化，是众多元素中的一个。卡特林想要地面、一簇花，或者一个橙色矩形跟模特儿的地位一样重要，他会设置一个抽象的场景而并非就是真实的。整个画布于是变成了不同形体的集合：身体的曲线、花朵、矩形，还有很多竖直的线条板。这些形体元素仿佛置于同一个平面，并没有主次之分；有的只是平面的色块的组合。
、贝尔纳·卡特林（1919 - 2004），1919年生於巴黎。1945-1948年为法国国家装潢艺术学院学生，并在名画家马蒂斯 (Henri Matisse) 的工作室学习。他的一生举办过不少大型展览。包括1997年在巴伦西亚博物馆举办大型回顾展。
除了在法国本土举行个人画展，他亦曾於世界各地有著名的博物馆及美术馆举行了超过50个画展。2002年，他在上海美术馆举办大型回顾展，展出了他接近五十年的作品。
观赏贝尔纳·卡特林的作品，不论是油画、版画、水彩画还是壁毯都能体悟到卡特林绚丽的色彩下面那种真实的情感，点、线、面构成的具象美和通过这种具象美承载着色彩的这种真实感，这种真实感是卡特林用纯真的情感注入画面转化而来的。在他的作品中也时刻体会着莫里斯·德尼（Maurice Denis）的实践语录：“一幅画，在它是一匹战马、或是一个奇谈之前，基本上是照特殊规律安排色彩的一个平涂表面。”德尼的此句格言一次又一次地被引用，因为他的话似乎定义现代化的要求和一种荒谬的误解。19世纪末，新的美学形式规律的提出，对焦点透视和空间表现的重视程度日渐消退，而构成要素的作用日趋明显。艺术家们运用平面化的几何构成形式来代替单一的具象的表现形式，一种新的画面视觉形式规律—平面几何构成，为艺术家提供了一种新的手段，不必对外界事物仅仅描绘表象世界，而可以更加深刻地切入到画面本质的形式构成，强调画面构成要素的融通表现。卡特林的造型整体呈现出几何化、平面化、简约化的特点。这种简约的风格使每一个含义非常丰富的形式组织在一个整体结构中，在这个整体结构中每一个局部的功能与位置都被自身的色彩所界定。在卡特林的笔下，不管是景物、人物还是静物，那些最简洁的造型可以使我们毫不费劲地做出判断。
一、几何化的特点
卡特林历来喜欢在几何化的造型中用黑色搭配红色、黄色、蓝色、绿色作为基本的色调，再配有其他的色彩来点缀。如作于1987年的《黑桌上的玫瑰和柠檬》，以大面积的黄色和黑色作为背景，配以放置柠檬和玫瑰的白色长方形器皿，简洁而庄严。白色的长方形正好压在黄色和黑色的分界线上，黄色的花朵作为不规则的形打破了黑色的沉闷，使画面既活泼又不失平衡。作于1987年的《带哥特式柜子的红黑静物》则是用红色和黑色作为主色调，柜子上的花瓶已经完全平面化，为了构图的稳定卡特林对柜子的透视做了主观的处理，淡色的花瓶与左上方的白线点亮了整个暗色基调的画面。
从这个意义来讲，静物似乎更适合他的构图法则，风景对于卡特林来说的确是个挑战，因为自然本身不能使他满足，大的场景里面混合了纷繁复杂的山墙表面，外立面和屋顶，有着参差错落的叶簇、树枝、缆绳和天线杆的角度而形成的不确定状态。但在卡特林的这些风景画中，各种景物融合成奇特而非凡的统一，简简单单从画中内容中引申而来，比如墙的刻板的几何形状，屋顶和天线杆，以及岩石、树木和田野的不规则形态。白桦，代表拉伸的直线。它的有裂缝的树皮，在很长一段时间吸引了卡特林的注意力，所以在他很多以白桦为主题的作品中，白桦本身可能就是韵律和几何性的象征。在《埠头》这幅画中，几乎只是几何体，完全的角和直线，垂直的线条高耸入云。堤岸抽象的边缘混杂着长方形的高耸的建筑物，仅仅是长方体，甚至混淆了建筑物和无形而又严格的横坐标与纵坐标线。作于1962年的《Rreon的暴风雨》和作于1975年的《濑户内海》，在几块天空和陆地之上，在最初的一块画布上引出田野、篱笆、树和不规则的天空。同样的方式，在第二块画布上，天空好像是依托在地平线上，在大块的几何体块上方好像是岩石、暗礁、海岬。在辛辣的笔触下，笔直上方处是简略的墙壁和屋顶。到处都是相同的任意的渍痕，互相融合在一起。重叠、模糊、厚涂的颜料，笔触的拖动，笔触与油画刀的痕迹相间，然后另外一种笔触厚涂其上，形成模糊的影像斑点。立即咨询>>
二、平面化的特点
卡特林为了营造平面化的空间，他将所有物体造型提炼、夸张，让人感觉有剪影的效果。在给模特儿伊维特的画像中，一张相同的脸，一幅画接着另一幅画，除了其图画中的内容，没有其他的真相。在画中，主人公的刘海儿修饰的前额不再仅仅是关于她的发型的问题，更是为了以准确的角度，重点突出有规则而椭圆形的脸；那些严谨的线条凭借其体积和相互的关系建构了脸的形状，完全弱化了塑造立体感时所需要的理性的透视，将其平面化处理。在其他的一些作品中，由于绘画意图不一样，造型、元素会发生变化，是众多元素中的一个。卡特林想要地面、一簇花，或者一个橙色矩形跟模特儿的地位一样重要，他会设置一个抽象的场景而并非就是真实的。整个画布于是变成了不同形体的集合：身体的曲线、花朵、矩形，还有很多竖直的线条板。这些形体元素仿佛置于同一个平面，并没有主次之分；有的只是平面的色块的组合。
从卡特林的很多作品中可以看到，他不刻意描绘水平的条状，也没有强调画布垂直的韵律，更没有廓影展现来表明一个地方的奇异。然而自相矛盾的地方是，白杨树在伊尔库茨克教堂的墙和圆屋顶前伸展开来的水平线，与在斯里兰卡的稻田中并没有什么不同。这些稻田本身，水平方向的长条，与墨西哥市场的长条一致，不管是形式还是结构都没有决定或者确认地点。奇怪的是我们能够明确地感觉到他所画的地方的差异，这归根到底取决于色彩，是画家以置于这些平面的造型上的色彩所表现出来的强度和酸性来象征所画地点的独特性。卡特林是一个醉心于色彩的艺术家，他的绘画始终是因深有感触而引起创作激情的产物。卡特林的画温情脉脉而又不露声色地引导着我们品味生活的奥秘，引导我们进入一个远在天边而又近在眼前的和谐世界。立即咨询>>
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